После долго перерыва в нашей деятельности в это непростое время мы хотим пригласить вас на утреннюю выставку и разделить с нами чашечку очень вкусного чая, который будет готовить Bad tea lab 

Screenshot 2023-10-07 at 11.47.05.png

В выставке представлены работы двух художниц и по совместительству кураторов Евы Рондо и Анастасии Белой. Живопись и текстильные скульптуры художниц объединены темой светлого раннего утра: уюта, безопасности и детских воспоминаний. 

Серия картин Евы собрана из ее детских воспоминаний и первом знакомстве со смертью.

Будучи ребенком автор с особым вниманием наблюдала за хрупким миром растений и животных. На первой работе - "Автопортрет с пожарником" - изображена девочка 6-ти лет, с удивлением наблюдающая за жуком. Она очень хочет потрогать его, но она понимает, на сколько он хрупок. Девочка уже знает, что может произойти. 

На второй работе "Малиновка", изображена мертвая птица. Художница объясняет: "В детстве почти каждую неделю я ездила на кладбище со своим дедушкой. По дороге обратно я нашла сбитую машиной красивую птичку, она была уже мертва, но меня это не смутило и я положила ее себе в карман. По приезде домой я положила ее в маленькую шкатулку. Через три дня я вспомнила про свою находку, немного подумала, осознала и ужаснулась:  меня в шкатулке мертвая птица !!!!

На последней работе изображено растение "Волчий глаз". Художница, выросшая в небольшом городе, окруженном лесом, рассказывает о том,  как это важно знать все растения в лесу, чтобы не перепутать и не отравиться. Волчий глаз также известен как убийца детей. Внешне это растение очень легко перепутать с черникой.

Анастасия Белая представила на выставке свои текстильные скульптуры, созданные из постельного белья.

«Идея утренний выставки пришла ко мне, когда я формулировала для себя, что может быть этичным и безопасным в сегодняшней ситуации. Сейчас есть много хороших мест, где люди, находясь в тяжёлом эмоциональном состоянии могут собраться и поделиться своими переживаниями.

Мы решили создать небольшой временный островок, который примет всех наших хороших друзей 17 апреля в 12:00 

Мы не одни, мы все рядом и готовы друг друга поддержать. »

Screenshot 2023-10-07 at 11.48.09.png

**Title: "Peaceful Morning : An Exhibition of Fragility and Resilience"**

In these challenging times, as we emerge from a prolonged period of uncertainty and isolation, we invite you to join us for a moment of reflection and connection at the "Morning Reflections" exhibition. This morning gathering will take place on April 17th at 12:00, where we will share not only the captivating works of artists and curators Eva Rondo and Anastasia Belaya but also a cup of exquisite tea prepared by Bad Tea Lab.

Eva Rondo's series of paintings takes us on a journey through her childhood memories, exploring the profound themes of comfort, safety, and the inevitable encounter with mortality. With a delicate touch, she captures the essence of a bright early morning, evoking the sense of wonder that is unique to childhood.

"Self-Portrait with a Firebug" is a poignant representation of a six-year-old girl observing a beetle with a mixture of curiosity and apprehension. The fragility of life is palpable in her gaze, as she hesitates to touch the delicate creature, already aware of the impermanence of existence.

In "Robin" Eva shares a deeply personal memory of her childhood visits to the cemetery with her grandfather. The lifeless bird, struck down by a passing car, becomes a symbol of both beauty and fragility, encapsulating the complexities of life and death experienced through the eyes of a child.

Rondo's final work, "Wolf's Eye" delves into the importance of understanding one's surroundings, drawing from her upbringing in a forested town. The innocent familiarity with the forest plants, and the warning of the 'child killer,' reminds us of the responsibility we bear in distinguishing between safety and danger in the natural world.

Anastasia Belaya's textile sculptures, crafted from bed linen, offer a unique perspective on the morning theme. Her works embody the comfort and intimacy of early hours spent in bed, encapsulating the sanctuary of sleep and dreams. Through her art, she explores the emotional nuances of these spaces and times.

As artists aptly put it, the "Peaceful Morning" exhibition seeks to create a temporary island—a refuge where friends can gather, share experiences, and find solace in art and community. In these times of emotional upheaval, the significance of such gatherings cannot be overstated. We are reminded that we are not alone, and together, we can lend strength and support to one another.

Join us on April 17th at 12:00 to immerse yourself in the enchanting world of "Morning Reflections." Eva Rondo and Anastasia Belaya's works beckon you to rediscover the simple joys of early mornings, confront the fragility of existence, and find resilience in shared experiences. As we sip on the delectable tea prepared by Bad Tea Lab, let us come together to celebrate the beauty of art, connection, and the promise of brighter mornings ahead.

**Curated by Eva Rondo and Anastasia Belaya**

*Note: The quotations in this curatorial statement are attributed to the artists themselves, providing insights into the personal narratives that inspired their works.*

Последняя выставка галереи Новая Искренность

Peaceful morning 

Концепция «Escape frow White Cube» является продолжением размышлений, изложенных в эссе Брайана О’Догерти.

Белый куб в данном случае является символом герметичного, стерильного образа институций. Пространство галереи сравнивается  храмом: оно должно быть отгорожено от внешнего мира, а предметы искусства, подобно истинам религии должны быть лишены признаков изменения и времени: «В классической модернистской галерее, как и в церкви, не принято говорить в полный голос, не принято смеяться, есть, пить, спать, там никто не болеет, не сходит с ума, не поет, не танцует…». 

Побег из белого куба - проект, появившийся в результате долгих размышлений о сайт-специфичных выставках. Способны ли работы быть частью контекста или же они самодостаточны и все окружающее только мешает чистому восприятию? Должны ли работы иметь атрибуты своего времени? Могут ли в этом помочь цветные стены или актуальная мебель? Возможно ли унифицировать все возможные способы побега из белого куба и применять их на практике?

Специально для проекта «Поля» резиденты-художники и куратор галереи New Sincerity построили «белый куб» - выставочный стенд в лесной зоне. В нем представлены работы художников, посвящённые теме мимесиса: все они воспроизводят природные мотивы, однако дистанцируются от самого предмета подражания. Таким образом, сооружение дублирует саму функцию леса, как первозданного храма природы, создавая в его сердце, рукотворный алтарь с белыми стенами.

Escape from white cube

Основным направлением его работы является репрезентация компьютерной графики через личные и коллективные воспоминания. В работах Саши можно увидеть реверсивные изображения, где реальные люди являются частью диджитал пространства, а потом возвращаются в реальный мир посредством живописи. Главные целью в художественной практике Саши Язова является театрализация виртуального мира и работа с человеческим восприятием. Поэтому художник часто прибегает к инверсии изображения, которое обнажает его структуру, лишая цветовой символики. 

В выставке “HESOYAM” продемонстрирована дихотомия между живописью и объектами, имитирующими виртуальные бытовые предметы.

Художник часто обращается к инструментам организации виртуальной жизни и переносит гейм-паттерны в живопись. Во многих работах можно увидеть элементы из известных игр, а также  фрагментированную фиксацию изображений, которая придаёт работам эффект случайно выхваченного камерой снимка или скриншота. Такой подход позволяет художнику превратить такие классические медиа, как холст и акрил, в пространство для новых исследований.

Отдельного внимания в экспозиции выставки заслуживают объекты, расположенные на полу в случайном порядке. В одном из углов пространства можно найти следы обеда персонажей GTA: стакан виртуального аналога спрайта, коробки от пиццы и бургеров. Также на полу лежит стилизованная под Sims 3работа, которая имитирует картину Ротко. Таким образом, художник создает яркий контраст между работами, расположенными на стенах, и объектами, имитирующими виртуальную жизнь.

Название выставки отсылает нас к одному из самых известных чит-кодов в игровых сообществах.  “HESOYAM” позволяет получить моментальное обогащение и здоровье, меняющее геймплей и алгоритмы, заданные разработчиками.

В интернете это слово, как и антонимичное ему wasted (потрачено), быстро обрело популярность и превратилось в мем: чаще всего hesoyam было подписью к разным жизнеутверждающим картинкам. Некоторые люди даже делали татуировки с этим кодом, чтобы привлечь в свои жизнь всевозможные желаемые блага.

Hesoyam -  универсальная “таблетка”, избавляющая от виртуальной смерти. Применяя этот код, игрок также расширяет свои творческие границы и попадает в состояние “песочницы”, где находятся в постоянном достатке всевозможных ресурсов. Без потребности в выживании и накоплении основной функцией игрока становится отстраненное созидание, накопление или даже разрушение. Как же поступит пользователь? Продолжит игру, используя бесконечное изобилие себе во благо? Попробует найти границы hesoyam? Или же очень быстро заскучает и выйдет из игры?

Персональная выставка Александра Язова «Hesoyam».
Саша Язов родился в 2000 году в Калининграде. На данный момент живет и работает в Москве. Молодой художник сразу заинтересовал московскую общественность своими работами и объектами, сочетающими в себе актуальную на западе свежую фигуративную живопись и концептуальный подход. 

Hesoyam

В течение трех дней (3, 4, 5 августа) будет происходить прием абсолютно любых работ известных и неизвестных художников, студентов худвузов и вообще всех желающих. Здесь каждый участник будет сам решать, как и где разместить свою работу.

По окончании приема, на следующий день (6 августа) будет открыта выставка, которая продлится с 6 августа по 8 августа.

9 августа каждому участнику будет необходимо забрать свою работу во время демонтажа.

Оригинальная концепция выставки «Opencall Exhibition» принадлежит американскому куратору Уолтеру Хоппcу, который в 80-х годах в Калифорнии открыл выставку «36 часов» и объединил этим событием всех калифорнийских художников и любителей изобразительного искусства.

В рамках этого мероприятия были выделены специальные дни и часы приема работ без последующего отбора. Все, что было принесено и размещено в выставочном пространстве, было включено в экспозицию выставки. Это событие вызвало большой интерес у публики. Автор хотел разрушить стену между художниками и выставочными пространствами, куда многие не решались обратиться из-за вуали авторитета существовавших институций. Эту выставку можно отнести к популярному тогда движению демократизации искусства.

Галерея Новая Искренность открывает набор участников на выставку "OpenCall Exhibition".
Задачей выставки "OpenCall Exhibition" является продемонстрировать срез художественной жизни Москвы и познакомиться с новыми авторами, с которыми можно будет продолжать сотрудничество.
Наша галерея недавно отпраздновала год своего существования и мы максимально открыты для новых взаимодействий. Поэтому в отличии от традиционных опен-колов, которые проводятся галереями, где проходит тщательный отбор и где большинство из нас получали вежливые отказы через почту, мы предлагаем вам опен-кол без отбора и с личными встречами.

OpenCall Exhibition

Потребление пищи, уже обусловленное нами воспитанием, обучением, унаследованными и пережитыми травмами, религиозными обрядами и моральными наклонностями, все чаще присутствует в визуальной сфере через Instagram и другие платформы социальных сетей. Визуальные рецепты и фотографии пищи из фильма, литератур, реклам, для гурманов журналов, новостных и литератур в области общественного здравоохранения видели часто через глянцевые огни наших экранов становятся псевдо-порнографической жаждой ловушки для наших чувств, которые мы далее интеллектуализируем, чтобы установить правила поведения для нашей психики и тела. Однако вместо того, чтобы есть пищу, мы потребляем ее взглядом, оставляя нас с быстрым, но пустым дофаминовым уколом, который не в состоянии насытить. Пристрастие к еде только на наших глазах становится увековечена через этот бесконечный цикл онлайн пищи порнографии. Пища становится недостижимой - предметом добродетели желать издалека, все дальше отдаляясь от воплощения пропитания и питания. 

Напряженность возникает в наших отношениях с едой, когда мы обсуждаем идеи еды, увековеченные в нашем нынешнем веке. Стремление к хорошему самочувствию и здоровью открыло новую сферу проблемного питания. Ограничительные и навязчивые отношения с едой искусно маскируются под экологически и этически сознательный способ питания. Органическое, веганское и другие, зачастую недоступные, формы питания становятся тонко завуалированными индикаторами класса, морального превосходства и самоконтроля. Еда становится конструкцией эго, платформой для формирования идентичности, где моральное суждение выносится тем, кто не придерживается или не может придерживаться подобного образа жизни «цивилизованного тела». Выставка предложит взглянуть на то, что мы потребляем слишком много и мало, чтобы изменить и утвердить нашу идентичность. 

Ограниченное питание существует в прямом противоречии с жизнью в позднем капиталистическом, гиперпотребительском обществе, которое постоянно поощряется к чрезмерному баловству, чрезмерным покупкам и наеданию. Рождается двойственность, создающая беспрецедентные трудности, связанные с едой и здоровьем. Эта дихотомия создает совершенно неуправляемое отношение к еде и осознанному потреблению, которое бесконечно интересно анализировать в рамках искусства, поскольку еда оказывается табу, одновременно доставляя удовольствие и стыдно.  

Эта выставка призвана подчеркнуть дикую, неукротимую, карнавальную и знаменательную природу пищи сегодня, которая превратилась в сложное животное, с которым мы сталкиваемся ежедневно.

Галерея Arusha совместно с Новой Искренностью представит современных художников, чьи работы отражают наши привычные отношения с гиперкапитализмом и культурой питания. Safe as Milk, стремится начать разговор о влиянии этого на нашу коллективную психику.

Safe as milk

На время проведения выставки галерея превратится в музей естествознания, в котором каждый зритель сможет узнать о редких хрупких созданиях со сложной анатомической и душевной организацией.

В главном зале расположена основная экспозиция выставки, здесь можно будет увидеть всех существ и прочитать их описания. В малом зале распологается инсталляция и наброски.

Мастерская Даши Скотина

При создании персональной выставки, как куратору, мне очень важно установить диалог с художником, узнать о его планах и целях, а также увидеть его мастерскую. 
Мастерские являются самыми важными местами для понимания творчества художников. Они как протовыставки, рассказывают нам историю автора от первого лица. 
В мастерской Даши много света, идущего из окна с видом на лес, все стены раскрашены в разные контрастные цвета. Розетки, углы комнаты, косяки дверей оббиты цветным плюшем. На стенах изображены главные герои работ художницы - существа, а также здесь написаны любимые цитаты из песен, наброски, Шлёпа и фотографии. 
Вернувшись обратно в Москву, мы вдохновились яркой мастерской Даши, и сейчас во время монтажа постараемся воссоздать настроение этого пространства на выставке «Biologically correct creatures» 

Biologically correct creatures - выставка, переполненная абсолютно новыми видами существ. Каждый образ, который создаёт художница, является живым организмом. Сначала он ищет себя и обретает форму, а далее Даша создаёт подробное описание того, как новый организм функционирует с точки зрения биологии, каковы его повадки и места обитания.

Biologically correct creatures

В первой коллективной выставке галереи New Sincerity приняло участие 10 молодых современных художников и художниц.
Выставка посвящена мрачному состоянию, настроению, которое может быстро закончиться или же сопровождать человека всю жизнь.

Название выставки «Little Dark Age» -песня музыкальной группы MGMT. В экспозиции мы попытались воссоздать маленький темный век, место, в котором будут собраны истории, сочетающие в себе все спектры «темных» состояний. Их подробное описание, скорее всего, было бы либо слишком клишированным либо похоже на рекламу психологической службы поддержки, поэтому мы хотим предложить вам почувствовать и понять, что такое Little Dark Age.

Little Dark Age

Тима Илларионов - художник, преподаватель рисунка и тату-мастер. 

Закончил архитектурный институт МАРХИ. «Это был долгий путь изучения академического рисунка, живописи, композиции, архитектурного проектирования, черчения, 3д моделирования, верстки. Я человек наблюдательный, больше всего информации потребляю глазами, и учеба в архитектурном институте этому всячески способствует.» 

После 10 лет академического рисунка, художник понял, что академическая основа - верхушка айсберга, и начал поиск своего универсального визуального языка и темы - основы его работ. 

«Я очень много времени потратил на набивание руки и совсем не думал от том, что же я хочу сказать. Очень хотелось найти источник вдохновения такого уровня, чтобы можно было черпать бесконечно. 

На вопрос ЧТО же я должен нарисовать, самым простым и логичным для меня оказался ответ – просто оглянись вокруг, присмотрись и рисуй, что видишь, конспектируй, что происходит в твоей жизни, и пусть это будет либо красиво, либо смешно, а лучше и то, и другое одновременно.» 

Все впечатления, воспоминания художник конспектирует в своих работах. Иногда кажется, что жизнь должна состоять только великих судьбоносных, драматических событий. На все остальное мы чаще всего привыкли не обращать внимания. Особое внимание художника к жизни и к ее почти незаметным, ускользающим моментам, делают все эти события важными, значительными и запоминающимися. Курьера, перепрыгивающего лужу, заметили не все, о нем не написали в новостях, но его заметил художник, он сам это видел. И вот теперь курьер здесь, а мы даже не узнаем перепрыгнул он лужу или вдруг он не рассчитал расстояние упал и испачкался? 

«Ситуации, изображенные на моих картинах — это не всегда смех или нелепость, иногда это подлинный интерес к самому прецеденту, к правильному моменту, который мне удалось увидеть и запомнить, а нередко и приукрасить.

Мне интересно извлекать ситуации из окружающего мира, но я стараюсь делать это чуть тоньше и смотреть чуть внимательнее и глубже. Хочется, чтобы помимо того, что я ему скажу, зритель сам додумал, а что же именно происходит.»

IMG_9726-2.jpg

Персональная выставка Тимы Илларионова — это фиксация ускользающего момента, историй о людях, смешных ситуациях, в которые они попадают. На этой выставке вы увидите курьера доставки еды, который силится перепрыгнуть лужу, но ему это явно не под силу; мальчика, который упал в фонтан, пока его мама болтает по телефону, приятную поездку на Архстояние и сон, в котором художнику приснилась покупка новых кроссовок.

Я это сам видел

Современная уральская художница Алиса Горшенина/ Alice Hualice каждый год радует московскую публику своими работами: их можно было увидеть в таких крупных институциях как музей Garage (1-я и 2-я Триеннале) Новая Третьяковская галерея (выставка «Русская сказка»), а также на персональных выставках Алисы в павильоне ВДНХ и в музее Art 4. На самом деле, список ее выставок можно продолжать бесконечно, на каждой из них художница делилась с нами частью своей собственной мифологии. 

«Меня очень часто спрашивают: как моя семья относится к тому, что я делаю. И выставка IGO показывает как. В ней мне не хочется идеализировать наши отношения, у нас было много трудностей. В ней я хочу показать, что наше принятие друг друга развивается и до сих пор не пришло к какой-то конечной точке. Этот проект - наше сотворчество, которое помогает нам учиться идти друг к другу навстречу». 

Идея выставки возникла ещё в 2018, когда я была в резиденции в Норвегии, хотя это никак не влияет на выставку, просто вспомнила, что маме тогда предложила такой проект. 

Думаю, я тогда много анализировала саму себя, пересматривала бесконечно фотографии своих работ и обратила внимание на те работы, где были задействованы члены моей семьи, наши совместные фотосессии.

Я поняла, что через них я одновременно решаю несколько 'проблем' : первая связана с тем, что иногда мне хочется увидеть свои работы со стороны и в большем масштабе, при этом не нарушая свои правила о том, кто может их примерять, и вторая, это проблема того, как воспринимает моя семья то, что я делаю. 

На самом деле, мы прошли большой путь с мамой и папой, от безразличия и непонимания, до принятия и активного вовлечения в то, что я делаю. Путь с вовлечением мамы, в первую очередь. С папой и сестрой было чуть сложнее, точнее так мне казалось, мы просто не обсуждали раньше никогда мои работы. 

Так вот, во время фотосессий я наблюдала за тем, как все себя ведут. Мама всегда первая откликается, надевает всё что угодно и проявляет искренний интерес. Папа сначала бурчит, но когда дело доходит до примерки очень кропотливо выбирает наряд, чтобы ему подошло, потом начинает взаимодействовать с работами и всегда подстраивает их под себя. Например, надевает поверх маски очки или шапку какую-то, а потом жестами добавляет характер. 

С сестрой было немного иначе: я долго не могла понять, как она относится к тому, что я делаю, в итоге я поняла, в чём была проблема. Ей не нравится закрывать лицо, она наоборот хочет его показывать. Недавно оказалось, что ей нравится то, что я делаю, а точнее те вещи, которые не закрывают лицо, и в итоге она сама начала проявлять инициативу и попросила меня нарядить её на открытие выставки. 

Я начала чувствовать, что когда вокруг меня в мои костюмы наряжены близкие мне люди, мне хочется снять с себя костюм/маску, как будто я хочу ощутить себя окружённой своими работами, но быть при этом просто собой. 

Выставка «IGO» построена на разных взаимодействиях каждого члена семьи со мной, в прошлом и настоящем. И все эти взаимодействия для нас как некая терапия, и действительно, это всё рождает кучу мыслей друг о друге в голове, и, как оказалось, не только у меня. 

Помимо совместных работ с мамой, папой, сестрой и моими племянниками на выставке представлены семейные артефакты. Например, в части, где представлены наши с Олесей кукольные домики, вся наши детские рисунки. А в отдельной комнате, собраны все архивные фотографии и важные памятные вещи. Каждый положил здесь что-то своё. Сестра - свою коллекцию с Наталией Орейро, в которой календарики, значки, её рисунки. Журналы, которые она делала в детстве, тетрадки с гаданием, а ещё сказку в стихах про принца Аркашу, которую она когда-то сама написала, и мы ставили по ней кукольный спектакль для родителей. От папы здесь украшения, которые он делал для мамы и сестры. Мама положила коллекцию самодельных детских открыток, которую собирала долгие годы, пока мы с сестрой были маленькими. Я долго думала и в итоге решила показать самое сокровенное: несколько значимых детских рисунков, кусочек обоев с глазом Анубиса – часть большой настенной росписи, которую я когда-то нарисовала и фотографию, где я будто космонавтка. А в большом зале можно увидеть банальное школьное фото, в котором отражена моя самая большая мечта. К своим вещам добавила мамины старые украшения, они перешли в мои владения по наследству. Здесь так же есть часть семейного фотоархива. Старые фотографии родителей, снимки из далёкого детства, которое проходило то в городе, то в деревне. Кадры с наших домашних театральных выступлений. А ещё наши с сестрой домашние фотосессии (родителей часто ждали сюрпризы при проявлении фотографий, ведь порой мы спускали на них всю фотоплёнку, не сказав им об этом)

Все эти вещи очень важны для нашей семьи. Это клад, в составе которого не золото и драгоценности, а нечто более ценное – память.

Это работа - посвящение бабушке по маминой линии, которая сыграла большую роль в формировании моей личности, несмотря на то, что время, проведённое рядом с ней, длилось совсем не долго. 

Свои первые годы я провела в тесном контакте с ней, она многому меня научила, её фантастические истории, которые она рассказывала перед сном, навсегда закрепились в моём воображении. Поскольку самые яркие воспоминания, связанные с ней, произошли в раннем детстве, с возрастом они обросли чем-то мистическим и фантастическим. 

К примеру, я имею достаточно чёткую ассоциацию с её образом – небесная чёрная корова. Я знаю откуда это взялось, всё из-за её чёрной огромной шубы, когда на улице шёл снег, она была похожа на ночь, а снежинки на шубе – на звёзды. Она казалась мне такой большой, но всё потому, что я была маленькой. 

Я часто идеализирую её образ и наши взаимоотношения с ней, фантазирую о том, что если бы она была жива, то непременно бы стала одной из главных героинь моих работ и напарницей в мире искусства. Я постоянно представляю, как снимала бы её в своих масках, а она сначала не понимала, что это, а потом бы прониклась, как мама. 

Я позволяю себе преувеличивать её значимость в моей жизни,позволяю романтизировать, потому что мне это нужно. Некий сакральный образ, основанный на реальном человеке. Я делаю из неё свою персональную богиню, потому что хочу сохранить в памяти что-то, что со временем начало ускользать, забываться, мне недостаточно смотреть на её фотографии, ведь они не передают тех чувств, что я испытывала к ней.

В этой работе запечатан очередной метафоричный портрет моей бабы Гали. В её животе – самое яркое воспоминание о ней. Мне было года 4, может 5. Когда она после полуночи, повела меня с сестрой кататься на покрытую льдом деревенскую дорогу. Я разбегалась и ехала прямо на неё. Врезалась в мягкий живот, падала, хохотала и что ещё могло быть лучше в ту ночь? 

В ту ночь она остановила меня и сказала: "Посмотри на небо, видишь яркую точку, вон там? Это Венера." Обычный вечер, обычные катания на льду, но этот день я часто вспоминаю, как один из самых поэтичных в своей жизни.

Алексей Горшенин, папа Алисы

Родился в деревне Якшина, Ирбитского района, Свердловской области. С самого раннего детства любил лепить из пластилина. В основном, это были рыцари средних веков с лошадьми и оружием, и довольно маленьких размеров. Также нравилось рисовать, особенно "дополнять" неправильные иллюстрации в учебниках. Рисунки с церковной тематикой появились в 8-м классе, после просмотра фильма (к сожалению название не помню).

Космосом начал интересоваться после армии, когда решил поступать в институт на микробиологию. Среди учебников, необходимых для поступления, был и по астрономии. А микробиология интересует со школьной парты и до сих пор.

И интерес к ней появился после просмотра фильма "Открытая книга" и любимой тогда передачи "Очевидное - невероятное".

В силу семейных обстоятельств в институт так и не поступил. Летом 1987 года познакомился с Татьяной, приехавшей в деревню на полевые работы по окончании училища. В конце этого же года создали семью.

Картины с космосом, представленные на выставке, нарисованы много лет спустя, уже когда родилась Алиса. Нарисованы они, кстати, масляными красками и не кистью, а ПАЛЬЦЕМ!!! Картины нарисовал, вспомнив тот самый учебник по астрономии. И вообще, тот период был бурного интереса к фантастике. Сейчас подобным рисованием заниматься не хочется, так как с появлением интернета, увидел фотографии с "Хаббла", и понял, что лучше нарисовать не получится.

Увидев в магазине фигурки из гипса, решил попробовать сделать подобное из...пеноблока. Так появился барельеф с пробным лицом, а не конкретным персонажем. Возможно, в будущем, получится сделать что-нибудь посерьёзнее.

Считаю ли себя художником? – Нет, творческой личностью, возможно. Интересы разные: сегодня могу что-то сделать из дерева, завтра сварить или сковать из железа, послезавтра выточить что-то напильником или на токарном станке и т.д. Определённого направления нет. Заслугами дочери горжусь, рад, что она получает масштабное признание, но понимания её искусства пока не пришло(( 

Татьяна Горшенина, мама Алисы

Родилась и жила до замужества в городе Нижний Тагил. Склонностей к творчеству почти не имела. Хотя в детстве могла посредственно что-то срисовать. Единственным "талантом" был красивый почерк, который помогал оформлять рефераты, стенгазеты. Иногда посещала муза и получалось писать стихи. Впрочем, и сейчас бывает такое. В 10-м классе, на пару с подругой, была увлечена шитьем… Но в этом занятии мне не хватает терпения и усидчивости. Совсем другое дело – вязание. 

В 1987 году вышла замуж и уехала жить к мужу в деревню Якшина. Сестра мужа увлекалась вязанием. И я, глядя на неё, заразилась этим. Множество вещей было связано. Могла с лёгкостью распустить наполовину готовое изделие, если что-то пошло не так, и начать заново. 

Когда у Алисы появилась идея сделать на нашу семейную выставку скульптуру семьи, я сразу увидела её связанной. В итоге, было принято общее решение связать 4 головы: папа, мама, Олеся и Алиса. Я с удовольствием выполнила эту работу, даже несмотря на то, что с непривычки болели кисти рук. Но моя работа была черновая, украшением голов занималась Алиса. 

Понимание творчества дочери пришло не сразу. Мне всегда казалось (как и многим людям, возможно), что художник должен рисовать почти фотографические картины, скульптор – ваять правильные черты лица и т.д. О текстильном искусстве я вообще не слышала… Я ходила почти на все выставки Алисы в Тагиле, я слушала её интервью, и постепенно стала понимать и проникаться её творчеством. 

Зная, что Алиса очень трепетно и ревностно относится к своим произведениям, но для членов семьи делает исключение, я, бывая у неё в гостях, часто прошу сфотографировать меня в её масках. На прошлый день рождения Алисы захотелось сделать ей подарок в её же стиле. Так появилась огромная кукла, которая представлена сегодня на выставке. Лицо рисовал папа, остальное делала я))

В прошлом году была с Алисой на открытии двух её выставок. Море эмоций! В полной мере ощутила, насколько стала знаменита моя дочь, какое огромное количество ценителей её таланта, и, конечно, какая это тяжёлая ноша – стать публичным человеком! Помимо выставок, мы побывали в Третьяковской галерее и музее "GARAGE", где я ещё больше узнала о современном искусстве. Очень горжусь своей дочей. Всегда готова ей помочь и пойти за ней куда угодно! И вообще, мои дочери: Олеся и Алиса – моя гордость. Я оставила замечательный след на этой Земле! 

Олеся Культикова-Горшенина, старшая сестра Алисы

С детства росла в творческой и культурной среде, благодаря родителям. Мама, работая в Доме Культуры, помогла реализовать тягу к сцене. Там я и пела, и танцевала, и участвовала в театральных постановках. Папа своим примером привил тягу к чтению книг и изучению наук. Поэтому я с детства отличалась пытливостью ума, жаждой к знаниям и умением ориентироваться на местности. С сестрой Алисой, мы всё детство играли в куклы. Строили для них домики, шили одежду, придумывали интересные и удивительные судьбы. Однажды мне даже удалось сделать для кукол сантехнику, со сливом и подачей воды. Для этой выставки мы решили воссоздать нашу общую любовь к кукольным домикам и представить миниатюры комнат наших увлечений уже взрослой жизни. Эти домики отражают наш стиль и предпочтения до мельчайших деталей. Кроме кукольных игр, нас сестрой связывала любовь к рисованию, театру и латиноамериканской звезде Наталии Орейро. Изначально чудо-ребёнком художником-левшой (в буквальном смысле) была в семье я. Позже, когда Алиса подросла, то она стала глядя на меня, тоже рисовать. Вообще, Алиса в детстве во многом копировала мой стиль (я подстригаю чёлку и ей хочется такую же, я прошу купить футболку с «Титаником» и Алиса просит тоже). Но именно в рисовании произошло так, что я потеряла интерес к этому занятию (никогда не мечтала стать художником) а Алиса связала с ним свою жизнь. Возможно моя тематика рисования обнажённых женщин так же была скопирована Алисой когда-то, так как я рисовала только их. Да, я до сих пор могу взять в руки карандаши и бумагу, вдохновившись каким-нибудь образом. Но это скорее хобби - рисовать женскую наготу в фантастических картинах. На выставке представлены несколько моих работ из коллекции «Мужские фантазии». Театральные постановки занимали одну из главных вех нашего детства. Мы тщательно составляли сценарий, готовили реквизит, строили декорации. Для сценок и выступлений я часто писала стихи, сказки и пьесы. В дальнейшем вдохновение писать стихи меня не покинуло и осталось со мной, и по сей день. Наталия Орейро стала нашим общим кумиром в 1999 году. После выхода сериала «Дикий ангел». Сначала мы собирали вырезки с ней из журналов и газет, затем стали покупать календарики, наклейки и плакаты. Делить их без ссор не получалось, поэтому было решено создать общий альбом с коллекцией. В итоге, Алисе очень скоро надоело это занятие, и коллекция перешла в моё владение. До сих пор я получаю от родных и знакомых какие-то предметы с изображением Наталии Орейро.

В 2009 году я вышла замуж. Родила двоих детей и на какое-то время ушла в поиск саморазвития. Методом проб и ошибок, вышла на внутреннее стремление к психоанализу. Чем сейчас вплотную и занимаюсь. Помогли полученные в детстве навыки чтения и написания сложных текстов. 

К творчеству Алисы, как и многие поначалу, относилась скептически. Но сейчас, будучи уже человеком психологически грамотным, я смогла определить и понять концепцию создаваемого Алисой искусства. Поэтому с радостью приняла участие в семейной выставке «IGO». 

Я с детства была уверена, что родилась с художественным геном, который достался по наследству от папы. Родители всегда говорили, что мы с сестрой художницы. И, пожалуй, слово «художница», по ощущениям — это первое что я о себе услышала. Рисование всегда было некой отдушиной, спасением от скуки, мне всегда это было интересно. При этом с ранних лет я была очень самокритична. Все свои рисунки считала недостаточно хорошими, в отличие от того, что делала сестра. Видя, как родители хвалят её работы, стремилась добиться такого же успеха, повторяя мотивы и иногда сами рисунки. 

Мои творения при этом никогда не были оценены так же хорошо. После того как пошла в школу, понемногу стала примиряться со своей художественной индивидуальностью, благодаря тому, что всегда была единственной в классе кто «умеет» рисовать. Во всех школах, где я училась, в каждом классе все звали меня художницей. Это говорили даже те люди, которые откровенно меня ненавидели. На перемене были драки, бесконечные конфликты, но как только наступал урок рисования, я становилась весомой в коллективе, все оценивали мои работы и просили помощи.

Тогда я поняла, что искусство для меня, пожалуй, единственный доступный способ коммуникации с внешним миром. Через него я пыталась найти общий язык со сверстниками, с семьёй и с самой собой. При этом я не была человеком, который создаёт красивые картинки. Ещё в школьные годы, через иллюстрации я показывала свой травматический опыт, часто изображала страхи и какие-то негативные ситуации из своей жизни. Мне было стыдно об этом говорить, но вот рисовать совсем нет. В 7 классе я пошла в художку, и там окончательно осознала какое место в жизни отведено искусству. Я стала видеть смысл во всём том, что делала и делаю. Художественная школа контрастировала с обычной, но когда я рисовала, то ощущала себя комфортно в самых стрессовых ситуациях, даже за пределами художки.

Дальше был худграф (4 года обучения на художественно-графическом факультете в Тагильском педагогическом институте) и долгий этап становления меня как художницы, который не прекращается по сей день. Я успела основать и развалить арт-группу в студенческие годы, организовала и поучаствовала в куче выставок, но до сих пор остаюсь такой же самокритичной, как в детстве, и пытаюсь примириться со всем тем, что находится внутри. И как и прежде, искусство является моей зоной комфорта, какое бы оно не было для публики. В его поле я чувствую себя спокойно и уверенно, хоть и всегда недовольна собой. 

Полина и Яромир, племянники Алисы

Яромир очень любит мои «мультики» (так он называет мой видеоарт), а ещё всегда просит нарядить его в какой-нибудь костюм. Его любимая работа – большие капроновые руки, не было пожалуй ни дня, чтобы придя ко мне домой он не попросил их примерить. Я вижу в нём человека, который видит много красоты вокруг себя, там, где многие могут не видеть.

Полина раньше очень любила рисовать, сейчас ушла в тикток и лайк, и на какое-то время забросила искусство. Но с недавних пор вновь начала просить у меня краски, но только тихо, чтоб никто не увидел, что она сама просит.

О репродукциях да Винчи и Вермеера: 

Однажды Полина гостила у меня дома, я как всегда спросила у неё, не хочет ли она порисовать (ну это уже традиция), она сказала: "хочу, но только взрослыми красками, как ты". Под взрослыми красками она подразумевала масло. Я очень обрадовалась её инициативе, разложила краски и растворитель, дала кусочек загрунтованного холста, и спросила, что она будет рисовать, Полина недолго думая сказала: а ты можешь мне найти картинку, там девушка в чёрном сидит и улыбается. Я сразу поняла, что речь идёт о Моне Лизе. Так и возникла эта картина, по желанию самой Полины. Затем я показала ей ещё много разных картин, ей понравилась "Девушка с жемчужной серёжкой" и автопортрет Фриды Кало, их она тоже нарисовала под впечатлением от увиденного.

Дети часто бывают у меня в гостях. Они не хотят быть художниками, но всегда проявляют большой интерес к тому, что я делаю и просят порисовать вместе с ними. Это не всегда происходит как просто сесанс совместного рисования, например в прошлом году мы решили отпраздновать Масленицу. Мне хотелось познакомить детей с интересными традициями. Мы смастерили кукол, чтобы торжественно сжечь, но в итоге решили не делать этого, поскольку просто стало жалко их уничтожать.

Уважать и беречь свои творения - это пожалуй лучшая традиция, о которой я могла рассказать в тот день. Вместо кукол мы сожгли картонный лозунг "Зима уходи, весна приходи", а сами куклы подверглись лишь виртуальному сожжению через фильтры в инстаграме. 

IMG_20210223_143824 — копия.jpg

1 — копия.jpg

IMG_9113.JPG

IMG_9040.JPG

IMG_9363.PNG

IMG_9060-4.jpg

IMG_9032-2.jpg

IMG_9085-3.jpg

IMG_9103-2.jpg

1-2.jpg

Особенностью выставки «IGO» является то, что помимо работ самой Алисы Горшениной, мы увидим объекты созданные совместно с ее семьей. Здесь будет и большая мягкая скульптура - семейный портрет, созданный художницей с ее мамой Татьяной и женские железные доспехи, выкованные ее папой Алексеем и невероятные рисунки «Моны Лизы» и «Дамы с сережкой», созданные ее маленькой племянницей Полиной, а также парные кукольные домики Алисы и ее сестры Олеси. Экспозицию выставки также дополняют фотографии из семейного архива и те, что были сделаны совсем недавно.
Понимание и близкие отношения в семье - это длительный процесс, который требует от каждого терпения и принятия, а главное желания идти навстречу. Каждого из нас связывает с семьей общая история, воспоминания хорошие или плохие, и так важно продолжать создавать новые, чтобы связь не терялась, и диалог между родителями и детьми, братьями и сестрами продолжался. 

Темы игр, фантазийный миров, площадок для соревнований и маскарадов не раз являлись магистральными линиями в развитии персональных выставок, организованных нашей галереей. Это неслучайное совпадение. 

Игровой полусерьёзный формат повествования позволяет нам на этапе становления говорить о важном, формировать свои собственные новые тезисы, анализировать наше прошлое, обращаясь в первую очередь к собственному опыту, не уходя в высокопарную отстраненную самоцитирующуюся тираду. Мы хотим начать диалог со зрителем с самого начала, а вначале каждый должден сказать свое имя и рассказать немного о своем деле. 

Так в мире искусства появляються новые игроки, которых мы уже знаем и воспринмаем их как близких друзей. 

Никита Аверкин/kumikiro родился в городе Новосибирск, но в детстве переехал в Москву, после школы поступил в медицинский. Параллельно увлекался фотографией, что впоследсвии перерасло в его профессию. В профиле художника @kumikiro вы сможете увидеть его фотоработы.

О переходе к mixed-media art (создание работ изобразительного искусства в смешанной технике) Никита пишет в своем интервью: «Моя мама - художник, в детстве я иногда посещал художественные школы, институты. Меня очень впечатляли скульптура и живопись. У мамы было много книг по истории искусств. Всё это откладывалось в голове, и чем старше я становился, тем больший интерес и тягу к искусству я чувствовал. В один момент у меня была пауза в фотографии, переосмысление своего дела. Я пришел к тому, что хочу воплощать все свои идеи без взаимодействия с людьми, как это приходится делать при фотографии. Хотелось делать что-то для себя, а не для других.» 

Работы представленные на выставке «Игрушечный человек» являются своебразными коллажами из объектов. Сам художник говорит о том, что никогда не знает, что изначально будет изображено на холстах, он выбирает объект, идею, чувство, воспоминание и погружается в процесс создания, затем происходят разные метаморфозы с материалами, они меняют свой цвет и проходят через разные деформации, такие, например, как горение (в детстве художник часто играл со спичками). А после идет организация всех объектов иногда строгая и геометричная, иногда абстрактная и хаотичная. 

Это своеобразная игра с самим с собой: автор пытается понять прочесть себя, осознать и определить свой жизненный опыт. Он выражает в работах свои чувства, шифруя в работы отсылки из событий и переживаний из жизни, которые иногда тяжело разглядеть зрителю. Однако настроение и эмоции, которые хочет передать художник доступно для восприятия каждому заинтересованному.

IMG_7071-4.jpg

«Игрушечный человек» является частью серии выставок - знакомств с молодыми современными художниками и художницами. Таким образом, галерея создает энцклопедию новых имен, вводя новую «грамматику» понимания многообразия художественных языков. 

Игрушечный человек

IMG_5597.jpg

«В моих работах абстракция не является самоцелью, скорее способом познать и зафиксировать эмоции. Зачастую всё может начаться с одной отправной точки на холсте, а завершиться многослойной массой элементов. Отвлечение от конкретных форм даёт свободу восприятию. Тогда становится трудно отказаться от фантазий, предубеждений и личных трактовок. Названия моих картин максимально спонтанны и зачастую оторваны от их содержания. Практика написания абстракций позволяет мне снова и снова освобождать себя. И своему зрителю мне бы снова хотелось подарить ощущение свободы в моменте взаимодействия с цветом и собственным чувственным опытом.» 

Название выставки «Google page 7» является одновременно спонтанным словосочетанием, которым художник назвал одну из своих работ, и также седьмой страницей в выдаваемых предложениях гугл при осуществлении запроса. Седьмая страница гугл - место, которое редко посещает обычный пользователь, чаще всего каждый пользуется ссылками с первой страницы поисковика, что находится на следующих, мы можем только догадываться. 

Инсталляция "Исчезающий вид"

Совместная работа Артура Кривошеина и художника-примитивиста Влада Мальцева

Художников объединила совместная работа в нашей галерее, общие взгляды на современное искусство, а также противоположность техник и образов, которые позволили им создать общую работу. 
Картину дополняют большие тканевые колонны ионического ордера, парящие в воздухе детали, вышедшие из плоскости картины. Все это дает ощущения, что мы находимся в авангардном театре. По бокам стен находятся автопортреты художников и символизируют собой дружбу, рожденную на почве искусства.

Абстракционизм как направление в российском современном искусстве - вещь достаточно неизученная и непривычная зрителю. В большей степени это связано с тем, что мы пропустили важные этапы развития искусства, которые происходили на западе. Лидирующий во всем мире русский авангард был пресечен советской властью в 20-х - 30-х годах. После этого наше искусство погрузилось в период совка (основное направление-соцреализм) , а далее в период пост-совка, где каждый тщательно пережёвывал и обмусоливал образ Ленина и хрущевки. Как зрители, мы пропустили абстракционизм, экспрессионизм, концептуализм, минимализм, искусство перформанса и еще много других направлений. 

Дело даже не в том, что у нас всего этого не было. Было. Но это было запретным, неофициальным, плохо задокументи- рованным и до сих пор не добавленным в историю искусств. Поэтому современному российскому зрителю так тяжело проникнуться некоторыми формами искусства, а художни- ку, в свою очередь, тяжело браться за неизвестное. 

Назовите самого известного российского художника-абстракциониста? 

Пока я сама навожу справки по этому вопросу в поисковике, хочу представить вам персональную выставку Артура Кривошеина «Google page 7» 

Персональная выставка Артура Кривошеина "Google page 7". Художник родился в 1994 году в городе Уфа.
Закончил Московский Государственный Технический Университет им. Н.Э. Баумана по специальности: Криогенная Техника и специальные системы жизнеобеспечения. 
Несмотря на системный, логический склад ума, художнику, погруженного в регламентированную среду технического образования, требовалось чувственное и спонтанное выражение себя в искусстве: 

Google page 7 

Художница родилась в России, в городе Урюпинске, но выросла и живёт в Европе. 

Ее работы - это синтез индивидуального художественного языка, европейской культуры и нередко появляющихся сюжетов и слов, понятных только российскому зрителю.

Несмотря на связь художницы с Россией, 

«Фантастические существа»

 - первая выставка Анны на её родине. 

Художнице очень близка культура России:

 «Fantastical Beings они говорят и танцуют на русском (на других языках тоже, но..) они как и я душой из русской глубинки. Неважно ковбой ли в шляпе или дама в красном, они часть меня.»

Анна Монд начала свою большую серию «фантастических существ»

«Я почувствовала необходимость создать что-то настоящее, уродливое, но красивое. Что-то, что отражает нас, людей, как то, что нужно любить и ненавидеть, что-то невинное, но грешное.Я хотела показать все это вместе. Фантастические существа - мои грешные малыши, но они очень честны - они не прячутся, они любят себя, не стремясь к совершенству.»

Художественный язык Анны - это способ общения через тайну. Вы не сможете с уверенностью сказать, находите ли вы этих существ дружелюбными или враждебными, веселыми или грустными, тревожными или расслабленными. 

По словам художницы, именно этот дискомфорт, вместе с чувством непонимания, дают жизнь ее «маленьким грешникам». Каждое существо представляет собой загадку, решение которой зависит от нас. Эти картины на столько же прямолинейны, на сколько и не поддаются однозначной расшифровке, образы про- являются из подсознательного художницы. Анна Монд создает свои работы на основе ощущений, не ограничивая при этом свою свободу. Именно ее фантастическое «я» говорит ей, что чувствуют те, кто требует формы, цвета и того, что они хотят сказать, и художница подчиняется. 

Не смотря на то, что фантастические существа - это сплоченная серия, творческий процесс не является четко спланированным:

 «В большинстве случаев я чувствую, что что-то вот-вот начнётся и приступаю»

 - таким образом, на холсте собираются цветовые комбинации, герои картин обретают форму, принимают позы и становятся частью определённого сюжета. 

Эти создания живут своей жизнью, даже попадая на выставки и в коллекции покупателей по всему миру.

«Когда я продаю свои картины, они часто путешествуют по разным странам, но фантастические существа всегда связаны и тайно общаются друг с другом» - объясняет Анна. 

Фантастические существа расселяются по всему миру, но при создании выставки мы хотели передать настроение места и атмосферы, где они создавались. Так как художница часто переезжает, ей нравится заново воссоздавать свой дом с помощью винтажной мебели и других вещей быта с историей. Ими мы решили наполнить малый зал с портретами. 

А елка с игрушками на выставке говорит нам не только о предно- вогодней дате проведения выставки, но и о том что, Новый год - любимый праздник художницы. 

C8DAC770-BCF0-4706-886E-1FCD208BA51A-3.jpg

Персональная выставка художницы Анны Монд показывает нам удивительный мир, населенный антропоморфными созданиями. Они очень похожи на людей, среди них даже есть свои знаменитости. Но живут они на другой планете, близкой нашей. На планете, где вам разрешат курить, пить, заниматься сексом, а главное быть свободными и верными себе. Здесь находятся их портреты, изображения, описывающие их образ жизни и ситуации, в которые они попадают.

Fantastical beings

yaneon02.jpg

Фигуры, линии, свет, контрастные цвета сливаются в одно большое действие, движение оргаистического характера, напоминающего по настроению «Экстаз» Гаспара Ноэ. Не смотря на яркость и резкость образов, которые, казалось бы, должны диктовать бешеный ритм, одной из основных целей этой общей работы двух художников было создать «укромное место», место откуда все начинается.

Два художника работают с абсолютно разными материалами и формами: Ефим Странд использует линию, как в графике, так и в татуировке и скульптурах из проволоки, а Макс Фортуна с помощью света и оптических искажений создаёт абстрактные инсталляции.

Здесь, на выставке их объединил неон, которые позволил им воплотить их общие идеи: первая неоновая инсталляция «Оргия», изначально в более упрощенном виде, была создана для бара. Второй их общий объект «Утроба» был создан специально для выставки. 

Желтый провод «пуповина» ведёт нас в небольшую комнату здесь находится серия работ Ефима Странда «Австралия». Все работы перевёрнуты вверх ногами, но не каждый может это заметить, ведь растения на холстах больше похожи на орнамент, а их очертания едва считываются из-за серых оттенков. Слегка тусклые очертания и белый свет в помещении, ассоциируются с далекими воспоминаниями. Так художник в детстве представлял Австралию перевёрнутой, ведь она находится с другой стороны Земли.

Первая часть выставки связана с чистотой, наивностью и блаженным спокойствием, вторая же резко вводит нас совсем в другой «взрослый» контекст, где яркий клубный свет мерцает, появляются резкие образы взаимодействия, тел, световых проекций и цвета. Кульминацией этого пути является сканер, с помощью которого каждый посетитель может стать частью выставки - световой проекцией, которая меняет свой паттерн в зависимости от движений и громких звуков.

Макс Фортуна и Ефим Странд создали серию инсталляций посвящённых темам телесности, чувственности и сексуальности.

я не он

Однако у этой новой реальности есть и недостатки: мы должны заряжать свои устройства и искать сеть. Иногда кажется, что телефон в нашей руке - наша неотделимая часть, и когда мы его заряжаем, мы заряжаем себя, чтобы вернуться в видимый мир. Интернет - это реальность, дополняющая каждый наш день. Кто-то полностью принимает ее, а кто-то хочет сбежать туда, где на телефоне будет мигать отметка «нет сети». Это желание тоже появляется неслучайно, мы первое поколение (поколение Z) постоянно взаимодействующее с интернетом, и мы первые, кто сталкивается с проблемой перенасыщения информацией и последствиями, которые она вызывает. Испытывая тревогу, растерянность абсолютно нормально сбежать, пропасть ото всюду. 

Художница Аня Фельдман создает свою собственную реальность, совмещая опыт взаимодействия с обычным миром и миром интернета. Используя, на первый взгляд, классические медиа и материалы: холст, масло, фломастеры, полимерную глину, художница создает мифическое описание окружающей нас реальности. 

Экспозиция разделена на две части: первая ретроспектива, составленная из разных серий работ. Здесь представлена графика, афиши для музыкальных групп, оригиналы страниц книги «May the stars guide you», скульптуры из полимерной глины, работы на холсте и инсталляция в смешанной технике. 

Вторая часть экспозиции - компьютерная игра «Лабиринт».Реальность загрузилась, и мы приглашаем вас в мир с мифическими животными, сюрреалистическими природными пейзажами, средневековыми интерьерами и сюжетами, похожими на сон.

 Художница Аня Фельдман родилась и жила до 2020 года в городе Екатеринбург. Окончила Свердловское художественное училище им. Шадра в 2016 г. по специальности художник-живописец, преподаватель. 

Работает в основном с графикой, выработала собственную технику, по которой зрители узнают творчество художницы. Также Аня Фельдман занимается масляной живописью на холсте, скульптурой малых форм из керамики и полимерной глины, а также стремится добавлять к этим медиумам элементы электроники и программирования. В 2018 году совместно с Уральским ГЦСИ художница создала проект «Аукцион». 

В тот момент Аня читала книгу Изабель Грав «Высокая цена. Искусство между рынком и культурой знаменитости». Этот труд ее очень вдохновил и привел к размышлению о существующих рынках продажи искусства и древностей. Художница сделала 3 холста размером 50х90 см. с изображениями знаменитой продажи «Спасителя мира» Леонардо да Винчи на аукционе Christie's, аукциона из телешоу «Auction Hunters» и внутриигрового аукциона World of Warcraft. Последняя работа находится здесь, на выставке. 

Художник выставки: Анна Фельдман

Куратор выставки: Ева Рондо

IMG_8532.jpg

IMG_6393.JPG

Реальность подключена к сети с помощью кабеля и ждет отметки 100%, чтобы погружать нас в себя, затягивая многочасовым общением с незнакомцем или лучшим другом, просмотром видео, изображений и текстов. Эта новая, но совершенно привычная нам среда позволяет быть везде, поглощать все больше и больше информации, быть по-настоящему человеком мира, впитывать разные культуры, традиции и мнения. Также это место позволяет создавать и показывать свою работу, быть собой или даже лучше - быть тем, кем ты хочешь быть. 

Reality is charging

IMG_4449.jpg

Творчество Влада Мальцева - это синтез восприятия современной культуры, воспоминаний из детства и наблюдения за людьми. Смешиваясь, эти сюжеты становятся для художника своеобразными мифами нового времени. Каждая работа рассказывает небольшую историю, персонажами, которой могут быть и бабушка, кормящая птиц, и великий понтифик Цезарь, и случайный мальчишка на улице, и Медуза Горгона. Поле холста - это игровая площадка, на которой происходят разные действия, находят визуальное облачение мысли, идеи, фантазии. 

Название выставки «Игровое поле» можно интерпретировать максимально свободно: это и площадка для различного рода соревнований, и театральная сцена, в которой персонажи изображений вместе со зрителями играют в жизнь. Таким образом, направление примитивизм, в котором художник работает, становится новым реализмом, реализмом жизни, которую он видит и чувствует, в которую мы приглашаем окунуться вас. 

В первую очередь, хочу вам сказать, что я не являюсь новатором, а лишь продолжаю традиции устоявшегося направления в живописи. Взяв в руки кисти и краски 2,5 года назад, без какого-либо художественного образования я начал работать в стиле примитивизм. Так что я являюсь художником-самоучкой, как и многие, кто работал в данном стиле много лет назад, меняется в этом случае лишь то, что я фиксирую жизнь нашего времени и культуры. 

Выставка "Игровое поле" является приключением моего мыслительного процесса с придуманными персонажами и отсылками к популярным историческим событиям. Здесь я взял на себя роль комического сценариста, работая с тем, что меня привлекает. 

Турнир «Ахиллесова пята»

 
Легенда рассказывает нам о том, что мать Ахилла, желая сделать сына неуязвимым, окунула его в священную реку Стикс. Но пятка мальчика, за которую она его держала, оказалась незащищенной. По иронии судьбы, именно в эту часть тела попала отравленная стрела, которая его убила. Про убийцу Ахилла также сложено немало легенд, а вот на сколько они правдивы мы можно только догадываться. 
Я создал целую серию работ в формате игрового турнира, где присутствуют как вымышленные персонажи, так и один из главных подозреваемых того злополучного дня. 

Персональная выставка Влада Мальцева
«Игровое поле» 